En su tercera edición, Canal Connect propuso cuatro piezas muy diferentes para explorar en las artes escénicas la aplicación de inteligencia artificial (IA), programación audiovisual, estimulación sensorial y realidad virtual. Fueron respectivamente ‘Sh4dow’, ‘La mouette’, ‘Trust me tomorrow’ y ‘Cloud’: el resultado fue desigual pero siempre interesante.
La directora de los Teatro del Canal, Blanca Li, presentaba el ciclo como una experiencia que busca facilitar a los ciudadanos la comprensión y reflexión sobre un futuro que se está construyendo hoy, en el presente, y que va a ampliar las fronteras de nuestra sociedad en distintos aspectos, desde nuestros comportamientos individuales y colectivos, incluidos los que atañen a nuestro día a día cotidiano, como al progreso económico, cultural, social y político a escalas micro y macro, y también a las fronteras naturales de nuestra ética y responsabilidad moral y filosófica.
SH4D0W, COPROTAGONIZADA POR UNA CRIATURA ARTIFICIAL
Sh4dow dice ser la primera producción de artes escénicas protagonizada por una criatura de inteligencia artificial. Se representa en un artilugio llamado 4D Box, un escenario teatral capaz de crear ilusiones de realidad mixta en la que objetos virtuales en 3D son capaces de interactuar con los actores. El personaje es una inteligencia artificial que interactúa sin guion previo y que hace que cada función sea diferente.
El título juega con la palabra shadow o sombra, y el director Mikael Fock asocia la relación entre humanos y entes programados con la del sabio y su sombra en el cuento homónimo de Hans Christian Andersen. El tema principal es el encuentro de la persona con su sombra, su yo virtual, que serían las inteligencias artificiales que se alimentan de los datos que se les proporciona hasta poder resolver intrincados problemas y responder a todo tipo de dilemas. Los protagonistas de la pieza son una actriz joven y una especie de holograma viviente que forma la inteligencia artificial con la que dialoga.
‘Diría que esta es la primera obra de teatro en el mundo que tiene a un elemento de Inteligencia Artificial (IA) como protagonista, y la primera pieza de artes escénicas en la que esta “criatura” tiene un cuerpo en una versión digital directamente conectada. Es también uno de los espectáculos únicos en el mundo dónde se pone sobre la mesa el debate sobre lo que quiere la IA y el ser humano. Así es que hablamos de un nuevo tipo de historia’, explica Fock.
‘Existe un “pacto” del que no tenemos conciencia: la Inteligencia Artificial se encuentra en todos los sitios… en nuestros bolsillos, en nuestros teléfonos, en la redes sociales, las aplicaciones que utilizamos… en todos los sitios. Los seres humanos se sirven de ella para estar en contacto, buscando el amor y relaciones sociales a través de lo que les ofrece la IA, mientras la IA busca recopilar datos. Este tema es una especie de tabú, no hablamos de ello, pero si queremos controlar nuestras vidas, tenemos que entender la realidad de lo que está sucediendo: Y esta pieza es precisamente de lo que habla, de lo que está sucediendo en nuestras vidas, mostrándonos lo lejos que la IA ha llegado a día de hoy, siendo elementos muy estúpidos, pero al mismo tiempo muy inteligentes.
El escenario 4B Box, que desarrollan desde 2000, permite reflejar imágenes en el aire facilitando que los actores puedan interactuar con ellas. Lo que vamos a ver no es un vídeo o una animación, sino una criatura animada hecha con partículas, que genera como una flor en el aire y que funciona a través de un programa que se llama “Análisis sentimental”, la posibilidad de conocer lo que piensa una persona a través de su expresión, la posibilidad de reconstruir su pasado sin las distorsiones de la memoria, y la perspectiva de saber de una persona más y mejor que ella misma. Podemos decir que el 70% de la pieza es pura improvisación, es lo que llaman “shoft coded”: nadie puede prever cómo será la interactuación entre el personaje de carne y hueso y el personaje artificial.
En la historia del famoso autor noruego de cuentos infantiles clásicos Hans Christien Andersen (ver el texto completo), el protagonista va con una vela y le persigue una sombra, que podría equipararse a la IA, y a la que acaba pidiendo que haga su trabajo por él. Nunca debió haber hecho eso, ya que años después la sombra regresa transformada en una persona que tiene un conocimiento increíblemente potente, ya que puede atravesar puertas y verlo todo, y acaba convirtiendo a su dueño en su sombra.
Sh4dow tiene moraleja: nuestras sombras hoy son los dispositivos tecnológicos y esta historia recoge las
consecuencias de lo que pasaría si nos dejáramos ser gobernados por la tecnología y que fuera ella la que accediera a esa “habitación mágica de poesía”, que representa la creatividad, el amor, las relaciones sociales, entre otros. Estamos emocionados con todo lo que puede hacer la IA, pero existe el riesgo de que nos convirtamos en perezosos, debemos aceptar el riesgo de lo que implica ser humano, y saber hasta dónde nos llevan las máquinas, pero asumir nosotros que tenemos que ser los que accedamos a esa habitación mágica por nosotros mismos.
Cecilie Waagner Falkenstrøm/ARTificial Minds (consultar su página) han creado este personaje, programado utilizando Machine Learning, Natural Language Processing (GPT-2, GPT-3 & GPT-J), Speech Synthesis (TTS), Speech Recognition (STT) and Machine Learning based Sentiment Analysis dotado de audífono y micrófono.
VALORACIÓN DEL ESPECTÁCULO (del 1 al 10)
Interés: 8
Dramaturgia: 6
Dirección: 9
Escenografía: 9
Interpretación: 9
Imagen: 10
Música: 8
Producción: 10
Programa de mano: n/h
Documentación a los medios: 4
SH4DOX
Sala Negra
24, 25 y 26 de marzo
Improvisación-performance de IA en 3D
Estreno en España
País: Dinamarca
Duración: 60 min aprox.
Idioma: inglés, con sobretítulos en inglés
Director y productor: Mikael Fock
Artista de IA: Cecilie Waagner Falkenstrøm
Artista visual 3D: Carl Emil Carlsen / Sixth Sensor
Artista sonoro: Yann Coppier
Actuación e improvisación con la IA: Luise Kirsten Skov
Concepto y texto: Mikael Fock
Diseño de iluminación: Vertigo
Producción: Mikael Fock
Patrocinadores: The Danish Arts Foundation
LA MOUETTE, UNA GAVIOTA MAJESTUOSA
La versión que ha presentado el ciclo ‘Canal Connect 2023’ del que es sin duda uno de los más célebres dramas contemporáneos es un extraordinario despliegue audiovisual y tecnológico que sobresale de los muchos a los que se entrega el género teatral últimamente. Y además dota a ‘La gaviota’ clásica de altos vuelos reflexivos, de una energía renovada y sugerente que la hace remontar hasta dimensiones inexploradas.
La gaviota (Чайка / Chayka) es una pieza teatral en cuatro actos de Antón Chéjov escrita en 1896; es la primera de las que son generalmente consideradas las cuatro obras maestras del dramaturgo y escritor ruso. Se centra en los conflictos amorosos y los celos artísticos entre cuatro personajes: Nina, una ingenua jovencita que quiere ser actriz; Irina, una actriz veterana en su declive, que se aferra a un celebrado escritor, Trigorin, esclavizado por su fama; y el joven Konstantin, enamorado de Nina, repudiado por su madre Irina, y aspirante a escritor vanguardista para desafiar al amante de su madre. Pero hay más, mucho más. Un anciano al final de su vida, Sorin, que la siente completamente desperdiciada; una joven, Mascha, desesperada por su amor a Konstantin; un maestro, Semion, que pretende sin éxito a Mascha; un doctor, Eugeni, amigo de Sorin, la voz sensata; y un enredo entre todos ellos de vacaciones en la propiedad de Sorin que incluye algunos de los mejores parlamentos dramáticos del teatro contemporáneo sobre las sombras que acompañan a las luces creativas de los escritores, la futilidad de la vida de la inmensa mayoría de los humanos, la irracionalidad de los sentimientos amorosos, el juego incomprensible entre el azar y el destino en nuestras vidas, el contrapeso de admiración y envidia, los conflictos maternofiliales secretos y tormentosos.
Desde el año 2000, el francés Collectif MxM impulsado por Cyril Teste, Julien Boizard y Nihil Bordures trabaja en representaciones en las que la ficción es interpretada, captada, manipulada y proyectada, para que cada lenguaje -texto, vídeo, música, robótica e informática- ‘incompleto’ de forma aislada, tome sentido en una gramática común y sincronizada. Esta gramática común de ficcionalización de lo real les ha conducido a una convergencia que denominan ‘performance fílmica’, una escritura teatral que reposa en un complejo dispositivo cinematográfico en tiempo real.
La dirección artística de Cyril Teste consigue una fusión entre la presencia física y su reproducción visual, entre sonido e imagen, entre palabra y música, todo ello de calidad y efectividad dramática como no recordamos haber visto anteriormente, gracias a la compenetración de los otros componentes del núcleo estable de este colectivo, destacando Mehdi Toutain-Lopez a cargo del despliegue vídeográfico, Julien Boizard a cargo de la iluminación y dirección técnica, y Nihil Bordures a cargo de la banda sonora de esta película teatral que une lo mejor de ambos géneros. Es de destacar además la precisión de la dramaturgia de Leila Adham y la originalidad de la escenografía de Valérie Grall, que consigue colocando y descolocando unos simples tableros romper el siempre distorsionante efecto de la pantalla sobre las tablas teatrales, y con una escenografía que se desdobla en dos ambientes en medio del magma de imágenes complementarias y reiterativas.
El despliegue tecnológico sería fútil si lo principal, el texto de Chéjov, no solo conservara su brillantez original sino que apareciera con nuevos atractivos en una versión absolutamente fiel al original (solo se han eliminado varios personajes, los padres de Mascha, el mozo Iakov y un cocinero y una doncella), que sin embargo consigue mejorar su comprensión y vigencia. Como en el resto de los dramas de Chéjov, La gaviota depende de un bien formado elenco de diferentes y bien desarrollados personajes. En ello, enorme mérito tiene este reparto. Sometido al escrutar de primeros y medios planos los actores resultan de una veracidad admirable. Su elección parece haber huido de esos criterios estéticos banales que rigen las pruebas selectivas, y es muy acertada salvo en el caso de Semion Semionovich Medvedenko, que ha sido atribuido a un actor que no encaja.
Al haber suprimido los programas de mano impresos, no es posible consultar quién es quién de los actores y personajes, de tal manera que al ser llamados en escena a veces por su nombre, a veces por su apellido y a veces por su apodo, durante un tiempo resultarán difíciles de identificar. Las tan diferentes tres actrices -Olivia Corsini, Katia Ferreira y Liza Lapert- dan a sus papeles un pálpito extraordinario, especialmente en el caso de esa Irina Arkadina repleta de matices. Entre los actores son los que encarnan a los personajes maduros -Sorin y su amigo Sergei- los que conmueven.
La declaración de intenciones de Cyril Teste, escrita para el estreno en octubre de 2020, dice que se trata de una ‘comedia’ según su autor, pero que en ella la muerte golpea como un rayo y termina con estas palabras: “Konstantin acaba de suicidarse”. Anunciada instantes antes de la caída del telón, la muerte de Treplev vendrá seguida únicamente de silencio, y estará rodeada de misterio. Y añade: ‘Se podría decir que muere por haber perdido definitivamente a Nina, o por no haber conseguido convertirse en el artista con el que soñaba ser. O por una tercera hipótesis que formulo, que no excluye ni la primera ni la segunda’. Seguramente se refiere al hecho de no haber gozado nunca del amor -ni del respeto ni del apoyo- de su madre. Y añade que esta “comedia”, como la llama Chéjov, transmite unas enormes ganas de llorar.
La noche de estreno en San Petersburgo fue un sonoro fracaso, pero a continuación triunfaría en Moscú. Y desde entonces miles de veces ha subido a los escenarios de todo el mundo. Entre las versiones españolas, la de Daniel Veronese en 2012 con el título de ‘Los hijos se han dormido’ no estuvo entre sus mejores aportaciones (ver nuestra reseña de entonces). Esta ‘mouette’ francesa ha sobrevolado Madrid desplegando elegancia y buen hacer.
VALORACIÓN DEL ESPECTÁCULO (del 1 al 10)
Interés: 10
Versión: 9
Dirección: 9
Dramaturgia: 8
Escenografía: 8
Interpretación: 9
Imagen: 10
Música: 8
Producción: 10
Programa de mano: n/h
Documentación a los medios: 4
LA MOUETTE
Basada en la obra de Chéjov
De Cyril Teste y Colectivo MxM
29 y 30 de marzo de 2023
Duración: 2 h (sin intermedio)
Estreno en España
Idioma: francés (con sobretítulos en español)
Con: Vincent Berger, Olivia Corsini, Katia Ferreira, Mathias Labelle, Liza Lapert, Xavier Maly, Pierre Timaitre, Gérald Weingand
Personajes de la obra original:
IRINA NIKOLAEVNA ARKADINA (por su matrimonio, TREPLEVA), actriz.
KONSTANTIN GAVRILOVICH TREPLEV, su hijo. Un joven.
PIOTR NIKOLAEVICH SORIN, hermano de Irina.
NINA MIJAILOVNA SARECHNAIA, joven hija de un rico terrateniente.
ILIA AFANASIEVICH SCHAMRAEV, teniente retirado y administrador de Sorin.
POLINA ANDREEVNA, su mujer.
MASCHA, su hija.
SEMION SEMIONOVICH MEDVEDENKO, maestro.
BORIS ALEKSEEVICH TRIGORIN, escritor.
EVGUENII SERGUEVICH DORN, médico.
IAKOV, mozo.
Puesta en escena: Cyril Teste / Colectivo MxM
Colaboración artística: Marion Pellissier y Christophe Gaultier
Dramaturgia: Leila Adham
Escenografía: Valérie Grall
Iluminación: Julien Boizard
Creación vídeo: Mehdi Toutain-Lopez
Imágenes originales: Nicolas Doremus y Christophe Gaultier
Creación de vídeos generados por ordenador: Hugo Arcier
Música original: Nihil Bordures
Ingeniería de sonido: Thibault Lamy
Vestuario: Katia Ferreira asistida por Coline Dervieux
Dirección técnica: Julien Boizard
Operadores de cámara: Nicolas Doremus, Christophe Gaultier, Paul Poncet, Marine Cerles
Administración y producción: Anaïs Cartier
Producción: Collectif MxM.
Coproducción: Bonlieu Scène nationale Annecy – Théâtre du Nord CDN de Lille Tourcoing Hauts-de-France – Printemps des Comédiens, Montpellier – TAP-Théâtre Auditorium de Poitiers – Espace des Arts Scène nationale de Chalon sur Saône – Théâtre de Saint-Quentin-en- Yvelines-Scène Nationale – Comédie de Valence, Centre dramatique national Drôme Ardèche – Malraux Scène nationale Chambéry-Savoie – Le Grand T, Théâtre de Loire-Atlantique – Théâtre Sénart-Scène nationale – Célestins, Théâtre de Lyon – Scène Nationale d’Albi – Le Parvis Scène nationale Tarbes Pyrénées – Théâtre Vidy Lausanne – CDN Orléans Centre-Val de Loire – La Coursive, Scène nationale La Rochelle.
TRUST ME TOMORROW, UN CAOS DE ESTÍMULOS
Estímulos sensoriales engañosos enlazados al albur, un montaje de estética brutalista en el que el fragor sonoro y visual tiene más aires maquinistas que digitales. Sonidos que activan luces, movimientos que generan sombras, palabras y músicas que son otra cosa, una sucesión de impresiones imprecisas es la propuesta del colectivo noruego Verdensteatret.
Jugando tanto con la ausencia total de luz como con el exceso, Trust me tomorrow (Confía en mí mañana) del Verdensteatret, te zarandea como una invitación a reflexionar, imitar, desear; pretende llevarte ‘desde una tranquilidad elegante e introspectiva hasta una turbación agitada y confusa; una secuencia de acontecimientos encerrados en una habitación en calma que propone un tiempo alternativo’, nos dicen. Es una experiencia sensorial sin rumbo ni coordenadas ‘que indaga en el inconsciente, la búsqueda de de algo que nos oriente en la oscuridad en la que caminamos a tientas en este mundo’.
Asle Nilsen, Janne Kruse y Espen Sommer Eide cuentan que es una obra que empezó con una labor de investigación en un viaje en coche en Nuevo México (Estados Unidos) hacia Texas, cuando hicimos mucha grabación de vídeo. Una vez que regresamos al estudio pudimos poner en común los detalles de las distintas escenas, como una especie de ejercicio de abstracción de los que habíamos experimentado en ese viaje, compuesta por elementos muy diferentes como escultura, video, sonido, así es que el reto como compañía fue lograr encajar todos esos elementos para que construyeran un todo. Se ve como una escena compleja, de hecho lo es, pero hemos hecho un esfuerzo por que los distintos elementos “hablen” bien entre ellos’.
Sin duda son esas imágenes huidizas y atormentadas de dunas que parecen vivas mientras agitan esqueléticos arbustos en su cima, el único elemento conmovedor de un montaje que atruena y ciega, confunde a la razón y ahuyenta estética y poesía.
‘Ha sido un proceso de aprendizaje de las máquinas y humanos, distintas capas que convergen en el espectáculo, combina alta y baja tecnología, refleja la propia historia de la evolución de la tecnología desde los dispositivos más antiguos hasta lo que tenemos hoy en día. Creamos un viaje de aprendizajes de lo que nos aportan las máquinas. Es una pieza abstracta, muy abierta en la interpretación: esperamos que la audiencia de Madrid pueda conectar con esta apertura que caracteriza nuestro trabajo. Solo hace falta que vengan con la mente abierta’. Con la mente abierta fuimos y con la mente confusa volvimos.
Verdensteatret (Teatro del Mundo) se definen como un artista colectivo y tienen detrás una densa trayectoria de tres décadas. Fue fundado en Bergen en 1986 por Lisbeth J. Bodd(fallecida en 2014) y Asle Nilsen, que venían de la actividad teatral y la experimentación visual respectivamente. En el colectivo hay poetas, músicos, escultores y programadores, y escenografían sus obras con restos recogidos aquí y allá. Son un grupo raro, bien raro, que parecen empeñados en darl la vuelta a las cosas tal como las vemos.
VALORACIÓN DEL ESPECTÁCULO (del 1 al 10)
Interés: 6
Dramaturgia: 6
Escenografía: 6
Música: 7
Producción: 7
Programa de mano: n/h
Documentación a los medios: 4
VERDENSTEATRET
Trust me tomorrow
30 y 31 de marzo de 2023
Sala Negra. Duración: 60 minutos
Estreno en España. Uso de luces parpadeantes
Creado por y con la participación de: Ali Djabbary, Asle Nilsen, Espen Sommer Eide, Janne Kruse, Laurent Ravot, Magnus Bugge, Martin Taxt, Niklas Adam y Torgrim Torve
Agradecimientos a Andrea Bakketun, Bálint Laczkó, Icaro Zorbar y Piotr Pajchel
Producido por Verdensteatret con la colaboración de Ultima – Oslo International Music Festival, Black Box Teater, Oslo y Rosendal Teater, Trondheim
Con el apoyo de: Arts Council Norway y el Ministerio de Cultura de Noruega.
CLOUD, NUESTRO BORROSO CIBERMUNDO
Con este espectáculo familiar de danza, la compañía suiza Sam-Hester ensambla circo, danza y texto para cuestionar el impacto tecnológico en diferentes generaciones. Fundada por la coreógrafa franco-suiza Perrine Valli en 2015, estrenaron esta Cloud en 2019 con una veintena de niños seleccionándolos a partir de encuentros en teatros, escuelas y asociaciones. Valli plantea en este espectáculo que si la juventud cibermoderna está aportando grandes cambios, ¿cómo se adapta uno a sus expectativas y nuevas perspectivas del mundo? ¿cómo se les transmiten valores? ¿cómo les inspiramos? ¿Cómo se aprende de ellos?
La obra pretende decirnos que la realidad virtual y la realidad real se solapan ahora tanto que conforman nuestro mundo y nuestra forma de entenderlo, disfrutarlo y transformarlo. Absorbidos en una virtualidad epistolar, vivimos, nos desarrollamos y nos movemos en un mundo inmaterial. Vivimos en un cibermundo borroso y translúcido, medio tangible, medio abstracto, medio aquí, medio allí, como si viviéramos en un paisaje y en un cuadro de ese paisaje al mismo tiempo. Transformamos nuestra vida cotidiana en una saga ilustrada e inmaterial. Des-realizamos nuestra existencia para compartirla mejor. Minimizamos el tiempo que pasamos en el mundo real con demasiadas preocupaciones virtuales, amigos virtuales y asuntos virtuales. Basta con echar un vistazo a nuestros cuerpos: Nuestras posturas son idénticas, ya que todos estamos encorvados, obsesionados con nuestras pantallas.
El planteamiento es original y sugerente: un grupo de niños y adolescentes vive envueltos en la Luz de sus pantallas, inmersos en el aura de sus luminosos cascos puestos todo el tiempo. La comunicación con ellos parece imposible, e incluso la que tienen entre sí parece seguir pautas repetitivas al unísono, una mera imitación. La pieza comienza demasiado lentamente, pero poco a poco va resultando más interesante el movimiento que desarrollan sobre el escenario. Nos parece que el principio es quizá demasiado estático y depende demasiado de una música que no aporta mucho. Se echa en falta más movimiento, más expresión corporal, una propuesta más plástica que no fuera solo la música y la oscuridad y los juegos con las luces de los cascos.
La experiencia de Emma, una jovencita de doce años que nos acompañaba, es que se estaba quedando dormida por la lentitud inicial, pero que cuando los niños dan un grito en un momento dado se espabiló y ya se interesó mucho más. Comentaba no haber entendido bien el mensaje final: ‘Parece como que el señor dorado que baja de ese polo que yo había interpretado que era Internet, se convierte en el nuevo ídolo, objeto de adoración de los niños, y no queda muy claro si es que es un sustitutivo de las pantallas que cambian a un tono más dorado’.
Resumiendo, sugerente planteamiento, lento comienzo, interesante segunda mitad, final desconcertante.
COMPAGNIE SAM-HESTER / PERRINE VALLI
Cloud
Sala Verde – 1 y 2 de abril
Danza
60 minutos
Intérpretes:
Paul Herzfeld
Evita Pitara
Sasha Gravat-Harsch
Armand Deladoëy
Autoría: Fabrice Melquiot
Ayudantía de dirección: Iona D’Annunzio, Fabio Bergamaschi
Iluminación: Laurent Schaer, Charlotte Curchod
Vestuario: Kata Tóth
Coreografía: Perrine Valli
Música: Eric Linder, Polar
Fotografía: Seth, Charlotte Curchod, Gregory Batardon
Producción: Association Sam-Hester, Arte Libera, Théâtre Forum Meyrin, Dôme Théâtre (Albertville), CDCN Le Gymnase (Roubaix), Reso – Dance Network Switzerland.
Junto a las cuatro obras programadas, la exposición Máquina Orgánica está dedicada a estos artefactos bio-mecánico-digitales en constante y desenfrenada evolución, que cada vez se vuelven más autónomos y se asimilan más a los organismos vivos. Desde la inteligencia y conciencia artificial a los retos de la biotecnología, un viaje al corazón de las máquinas hoy y, de paso, a las fronteras de lo que en la actualidad consideramos vida.
PROGRAMACIÓN COMPLETA
CANAL CONNECT 2023
MÁQUINA ORGÁNICA
Exposición, con 23 piezas de artistas nacionales e internacionales
Varios espacios del teatro
Del 23 de marzo al 23 de abril
Entrada gratuita para todos los espectadores que presenten la entrada de cualquier espectáculo de CANAL CONNECT u otro espectáculo de esta temporada.
NONOTAK
Shiro
Sala Verde – 24 de marzo
Música electrónica y visuales / Estreno en la Comunidad de Madrid
MIKAEL FOCK
SH4DOW – who is master who is Shadow?
Sala Negra – 24, 25 y 26 de marzo
Improvisación-performance de IA en 3D / Estreno absoluto
CYRIL TESTE / COLLECTIF MxM
LA MOUETTE (La gaviota), basado en la obra de A. Chéjov
Sala Roja – 29 y 30 de marzo
Teatro / Estreno en España
VERDENSTEATRET
Trust me tomorrow
Sala Negra – 30 y 31 de marzo
Performance / Estreno en España
COMPAGNIE SAM-HESTER / PERRINE VALLI
Cloud
Sala Verde – 1 y 2 de abril
MESAS REDONDAS
Mesa 1. 24 de marzo – 19:00 h – Sala Roja
Del fluir y lo (in)orgánico en los espacios hibridados
Mesa 2. 25 de marzo – 12:00 h – Sala Verde
La percepción extendida: el hackeo de los sistemas
Mesa 3. 26 de marzo – 12:30 h – Sala Verde
La ciencia ciudadana: implementando un nuevo paradigma
Mesa 4. 28 de marzo – 19:30 h – Sala Verde
Diálogo ético e interdisciplinar sobre el futuro en la evolución de nuestra especie
TALLER
Del miércoles 15 al domingo 19 de marzo
Data-síntesis: ¿y si las plantas pudieran obtener energía de los datos?
