Zonas de riesgo necesario, por J.C.Deus

En el apabullante, por cantidad y presencia, mundo de las instalaciones artísticas, no abunda la calidad, la comunicación y el contenido. Para los que dudamos muy mucho de que en esta tendencia haya mucho más allá de Louise Bourgeois, Joseph Beuys y otras figuras históricas, Caixaforum de Madrid ha montado Zonas de riesgo, un bien articulado conjunto de incursiones aleatorias en una realidad que nos supera, escenografías con objetos sorprendentes y/o banales, intermediadas con vídeos, objetos y retazos del mundo que nos rodea, ese magma que ni comprendemos ni asimilamos.

Tal como explica la inefable Wikipedia, una Instalación artística es un género de arte contemporáneo que toma gran importancia a partir de la década de 1970. Los artistas de instalaciones por lo general utilizan directamente el espacio de las galerías de arte e incorporan cualquier medio para crear una experiencia visceral o conceptual en un ambiente determinado. Muchos encuentran los orígenes de este movimiento en artistas como Marcel Duchamp y el uso de objetos cotidianos. La intención del artista es primordial en cada instalación, que puede incluir cualquier medio, desde materiales naturales hasta los más nuevos medios de comunicación, tales como video, sonido, computadoras e internet, o inclusive energía pura como el plasma.

«Zonas de riesgo» es un conjunto inteligente de vistazos a nuestra sociedad planetaria, muestra interesante de un lenguaje sin fronteras absolutamente globalizado. Unos representan conflictos de nuestro mundo, convencidos de que el arte puede expresar una conciencia social, mientras otros despliegan cierta visión crítica a través de la ironía. Algunos pretenden crear sensaciones que conmuevan, y otros provocar reacciones críticas. Pero todos, invitan a reflexionar sobre cuestiones que nos preocupan y que afectan a nuestras vidas. Éste es el gran mérito de esta selección: mantenerse inmune de ideologismos y prédicas, salvo quizás su pieza central y más mimada, la que se inspira en la prisión antiyihadista de Guantánamo y que resulta un tanto panfletaria.

La exposición tiene el acierto de ser un todo articulado no una acumulación desordenada. Los trabajos de 14 artistas de diferentes generaciones y procedencias enlazan un discurso vivo sobre nuestra sociedad, parcial y anecdótico, como no podría ser de otra manera. La mayoría de las obras son posteriores a 2001, año clave en la configuración del nuevo orden político, social y económico, y muchas de ellas se exponen por primera vez en Madrid. Los artistas seleccionados son Eija-Liisa Ahtila, Txomin Badiola, Alicia Framis, Mona Hatoum, Craigie Horsfield, Adrian Paci, Jana Sterbak, Carlos Amorales, Francesco Clemente, Stephen Dean, José Antonio Hernández-Díez, Miguel Ángel Ríos, Ignasi Aballí y Shirin Neshat.

Artistas de diferentes generaciones y países, que exploran y formulan su visión de la sociedad demostrando una gran capacidad para procesar estéticamente la compleja realidad en que vivimos. El arte sería teóricamente un espacio posible para el pensamiento crítico de nuestra cultura, pero siempre a lo largo de la historia ha reflejado el punto de vista del poder, y hoy igualmente está bastante neutralizado e instrumentalizado como un producto de consumo más de la sociedad del espectáculo. Los artistas intentan comprender lo que passa y algunos se atreven a juzgarlo, entrando en terrenos siempre procelosos.

Algunos pretenden que, conscientes de su función pública, sienten la necesidad de ampliar sus competencias e indagar en los conflictos de nuestro mundo convulsionado por la inestabilidad económica, invadido por retóricas de guerra, condicionado por las desigualdades que genera la globalización económica, amenazado por el deterioro medioambiental y desconcertado por la descomposición de las estructuras sociales.

En los últimos años, el arte no ha dejado de expresar su visión de los conflictos que afectan a nuestra existencia en este mundo cada vez más incierto e impredecible. Los artistas manifiestan en sus obras unas actitudes provocativas y de resistencia ante el inquietante escenario actual, en el que la sensación de vulnerabilidad forma parte del estado de normalidad de nuestra sociedad. Hoy, todo lo que ocurre en alguna parte del planeta repercute inevitablemente en el resto. La libre circulación del capital y la creciente movilidad de la población, así como la comunicación instantánea de productos, imágenes e información, han puesto al descubierto cada rincón del mundo. Ya no existen lugares adonde escapar ni donde ponerse a cubierto. Con la globalización, la sociedad se percibe a sí misma más expuesta al riesgo que nunca.

La Colección de Arte Contemporáneo Fundación ”la Caixa” está formada por más de 750 obras, y en sus fondos figuran trabajos de los artistas más importantes de los últimos treinta años, de distintas procedencias y generaciones, y que constituyen en su conjunto un reflejo de nuestro mundo. Desde las primeras incorporaciones de obras del minimalismo, el arte povera, la pintura expresionista y la escultura de los años ochenta, la Colección ha reunido una magnífica representación de artistas fundamentales de los últimos años y ha apostado por creadores en el inicio de sus carreras. Esta labor ha exigido un seguimiento de la evolución estética contemporánea, necesario para que la Colección mantenga un espíritu abierto e innovador. Zonas de riesgo se enmarca en la voluntad de mostrar su fondo de arte contemporáneo en sucesivas exhibiciones con diferentes selecciones de las obras que componen la Colección, agrupadas en torno a diferentes temáticas, técnicas o discursos artísticos.

LAS SUBZONAS DE LA ZONA

Ésta es una somera descrición de las obras en presencia:

— EIJA-LIISA AHTILA (Hämeenlinna, Finlandia, 1959)
Consolation Service (Servicio de consolación), 1999
Videoproyección de doble canal: película de 35 mm transferida a DVD, imagen en color, sonido Dolby Surround, 23 min 40 s. Dimensiones variables
En sus trabajos en video, esta artista finlandesa combina el realismo documental y la fantasía cinematográfica. Sus temas son universales: las relaciones humanas, el amor, el rencor, los celos, la vulnerabilidad o la reconciliación, dramas humanos contemporáneos escenificados en situaciones concretas. En Servicio de consolación relata el proceso de divorcio de una joven pareja en dos niveles paralelos: la narración literal y el reflejo de un complejo mundo psicológico.

–TXOMIN BADIOLA (Bilbao, 1957)
SOS. E3. Servidumbre de la vida y el carácter de las sombras, 2001
Videoinstalación, b/n, 4 min 54 s en bucle continuo, 250 × 675 × 400 cm
La reflexión de Badiola se articula en torno a la idea de que la expresión plástica y la forma pueden encarnar la complejidad del pensamiento en lo que tiene de impreciso, de no definitivo, de equívoco. Su interés no es comunicar algo, sino comunicar con alguien. Esta videoinstalación consiste en una proyección en una sala blanca, a la que sólo puede accederse visualmente a través de una pequeña ventanilla perforada en uno de los muros. El vídeo parece ser una teatralización de la relación con los otros, con una clara referencia a la identidad vasca.

–ADRIAN PACI (Albania, 1969)
Centro di Permanenza Temporanea (Centre de Permanencia Temporal), 2007
Videoproyección. Dimensiones variables
Una parte importante de la producción artística de Adrian Paci está relacionada con los problemas de los inmigrantes, su condición de permanente temporalidad, su desubicación y su identidad indecible. En la obra expuesta, el escenario es el aeropuerto de San José, en California donde un grupo de personas se mueve hacia las escaleras de embarque de un avión formando una fila, mientras los aviones despegan y aterrizan en el paisaje de fondo. El título del vídeo es el término italiano utilizado para referirse a los campos habilitados temporalmente para los inmigrantes ilegales que llegan a las costas de Italia, una denominación que lleva implícita una paradoja de significado entre la existencia temporal y la permanente.

–ALICIA FRAMIS (Barcelona, 1967)
Welcome to Guantanamo Museum (Bienvenidos al Museo de Guantánamo), 2008
Mesa con maquetas, 8 dibujos, logotipo y audio. Dimensiones variables
Convertir Guantánamo, la prisión estadounidense en la isla de Cuba, en un museo es la propuesta que Alicia Framis expone para reflexionar sobre la desmesurada tendencia actual de conmemorar y preservar la memoria de cualquier acontecimiento de nuestro mundo. Las musealizaciones del horror de los campos de concentración nazis o de las prisiones, como la de Alcatraz, son algunos ejemplos. Framis plantea poéticamente la duda entre guardar la memoria de las miserias de nuestra sociedad, como es la de este agujero negro de nuestros días, o dejarlas en el olvido. En esta instalación han colaborado el escritor Enrique Vila Matas, que ha compuesto el orden musical de los 274 nombres de los prisioneros de Guantánamo, el cantante alemán Blixa Bargeld, que los recita con voz profunda y ritmo penitencial y el diseñador Alex Guifreu, que ha ideado la tipografía del museo.

–JANA STERBAK (República Checa, 1955)
Defence – Psi a Slecna / Defensa – Mujer con perros, 1995
Vídeo, vestido, zapatos y aluminio. Dimensiones variables
Esta obra es el resultado de una performance en la que la artista representa una alegoría sobre la autoprotección del poder y su incapacidad de relacionarse con el resto del mundo. El vídeo muestra la performance en la que una mujer se sitúa en el centro de una estructura metálica a modo de valla. Un grupo de perros junto a sus amos forman un círculo protector en torno a ella, separándola del público. La mujer empieza a cantar un aria de la ópera Paris y Helena, de Glück, y los perros responden con sus ladridos. La performance finaliza con el habitual aplauso del público, en una situación absurda que revela el autoaislamiento de esa diva en esa especie de prisión y teatro.

–MONA HATOUM (Beirut, 1952)
Mobile Home (Hogar móvil), 2005-2007
Varios objetos y motor
Mona Hatoum es una artista que ha sufrido en su propia carne la experiencia de la diáspora. Nacida en una familia palestina establecida en Beirut, tuvo que quedarse en Londres cuando, durante una visita a esa ciudad en 1975, estalló en
el Líbano la guerra civil. Allí decidió estudiar arte y desde entonces ha producido una obra con un indudable sentido político. Mobile Home es una instalación que evoca pérdida, éxodo y migración. Una serie de objetos están sujetos a unos cables que los desplazan constantemente en un espacio delimitado por dos vallas metálicas. Son pertenencias que podrían ser tanto de una familia de refugiados de Zimbabwe como de Albania.

–CRAIGIE HORSFIELD (Gran Bretaña, 1949)
Calle Preciados, Madrid, enero 2007, 2007
Fotografía estampada sobre lona de plástico. 408 × 408 cm
Calle Preciados pertenece al proyecto que Craigie Horsfield desarrolló sobre la capital de España y sus habitantes, retratando a personas anónimas en grandes formatos y utilizando un claroscuro que evoca la pintura barroca española. En estas imágenes, el artista británico expresa su interés por la relación entre lo individual y lo colectivo, por cómo esta relación determina una comunidad y cómo la individualidad se encuentra inevitablemente definida por esta relación. «La multitud es uno de los grandes temas del mundo moderno. Pero frente a la idea de masa como supresión de la individualidad, la fotografía recupera lo que cada ser, aunque para nosotros no tenga nombre, tiene de individual», ha explicado el artista.

–MIGUEL ÁNGEL RÍOS (Argentina, 1953)
A morir, 2003
Videoproyección de triple canal, 4 min 54 s
A partir de la filmación del juego popular mexicano de los «trompos» y a través de la sensualidad del movimiento de las peonzas habla de lucha, poder y violencia, nociones asociadas a la idea de supervivencia, y nos propone una metáfora del individuo contemporáneo en un mundo en que la guerra es todavía un medio de relación con el otro. El vídeo fue filmado en Tepoztlán, México, a raíz de las competiciones que se llevan a cabo en ese lugar.

–CARLOS AMORALES (México, 1970)
Maravilla inútil, 2006
Videoproyección de 2 canales, 8 min
Maravilla inútil es una proyección doble, que combina imágenes gráficas de los mundos animal y humano con formas abstractas para dar la sensación de ambigua amenaza en un mundo que está a punto de experimentar un cambio
radical. Carlos Amorales es uno de los creadores más singulares de la nueva generación de artistas mexicanos. Trabaja con numerosas disciplinas, como la escultura, la performance, la fotografía, el vídeo y el dibujo, entre otras.

–STEPHEN DEAN (Francia, 1968)
Volta (Bandeira), 2002-2003
Videoinstalación con sonido y tela artesanal, 8 min 52 s
Stephen Dean es un artista fascinado por el color como parte de la vida y de los rituales que se dan en nuestra sociedad y en nuestra cultura. En Volta (Bandeira), recoge la catarsis del público que asiste a un partido de fútbol. La gente canta, grita, danza con un movimiento coreográfico al ritmo de trompetas y tambores y bajo los colores de inmensas banderas. El vídeo presenta un espectáculo exuberante que adquiere una dimensión de performance colectiva. Para visionar Volta, el artista ha construido un espacio recubierto con una gran bandera de colores que acoge al espectador recreando las sensaciones de las multitudes en el estadio de Maracaná, lugar donde fue filmado el vídeo.

–FRANCESCO CLEMENTE (Italia, 1952)
Guerra, 1988
Técnica mixta sobre tela
Francesco Clemente recoge la tradición clásica de la pintura mediante una formulación válida para la actualidad. Guerra es un tríptico con grandes planos de color sobre los que aparecen elementos simplificados de una serie de figuraciones. El artista no intenta representar una guerra concreta ni explicar una batalla, y más bien remite a la idea universal de la guerra, los ejércitos, los desfiles, el totalitarismo y la destrucción.

–JOSÉ ANTONIO HERNÁNDEZ-DÍEZ (Venezuela, 1964)
La Hermandad, 1994
Videoinstalación: monopatines de piel de cerdo, 3 mesas de madera, barras de aluminio, 3 monitores y 3 vídeos, imagen en color, sonido, 60 min
Unos monopatines realizados con piel de cerdo frita aparecen colgados de una barra de aluminio junto a tres mesas sobre las que se encuentran otros monopatines y tres monitores de vídeo que muestran tres estadios de la vida del monopatín en las calles de Caracas. Como explica el artista, las tres visiones pueden ser interpretadas como el nacimiento, la vida y la muerte. El conjunto
evoca imágenes de la vida urbana, junto con la sensación de degradación del cuerpo que transmiten los monopatines, sugiriendo múltiples significados sobre las contradicciones y las ansiedades que provoca la vida contemporánea.

–IGNASI ABALLÍ (Barcelona, 1958)
Papel moneda, 2007
Virutas de papel moneda, vidrio, hierro (8 unidades)
Papel moneda está compuesta por 8 cuadros que a primera vista nos remiten a la pintura monocroma de nuestra historia del arte (desde Malevich a Ryman) y que enlazan un discurso sobre la ausencia de valor. Cada cuadro ha sido realizado con virutas de un mismo billete, de 5€, 10€, 20€, 50€, 100€, 200€ y 500€, y el octavo cuadro con una mezcla de todos ellos, papel triturado que el artista obtuvo del Banco de España. Aballí ha construido así una nueva realidad reciclando el material más preciado y usado por la sociedad.

–SHIRIN NESHAT (Irán, 1957)
Turbulent, 1998
Videoproyección de doble canal, blanco y negro, sonido, 9′ 30″
Dimensiones variables
Premiada en la Bienal de Venecia de 1999, Turbulence es una videoinstalación formada por dos proyecciones en blanco y negro en las paredes opuestas de un espacio oscuro, en las que aparecen dos cantantes, un hombre y una mujer. De manera sencilla, Shirin Neshat retrata el mundo musulmán de la canción, del que las intérpretes femeninas están excluidas, al mismo tiempo que reflexiona sobre el papel que desempeñan los sexos en la sociedad iraní.

Zonas de riesgo.
Colección de Arte Contemporáneo
Fundación ”la Caixa”
CaixaForum Madrid
Paseo del Prado, 36. 28014 MADRID
Del 11/02/2009 al 03/05/2009
Horario: De lunes a domingo, de 10.00 a 20.00 h
Precio: Actividad gratuita

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Autor

José Catalán Deus

Editor de Guía Cultural de Periodista Digital, donde publica habitualmente sus críticas de arte, ópera, danza y teatro.

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